Art * Texts * Pics

How much? Alcune considerazioni di Massimo Minini...

2012-02-14T09:00:00.000+01:00

Massimo Minini, - Foto: Renato Corsini

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Vi ricordate il The Best 2011? Ho chiesto a una serie di galleristi di segnalarmi la mostra che ritenevano tra le migliori dell'anno passato. Nel post della Galleria Pantaleone, si è creato un fitto botta e risposta tra molti commentatori. L'ultimo è stato scritto dal gallerista Massimo Minini:

"Bè, incredibile...io segnalo come "best" Brancusi/Serra da Beyeler e non ci sono commenti. Pantaleone segnala una sua artista e si scatena un putiferio di 50 risposte...la prossima volta segnalo Alberto Garutti, tra l'altro menzionato nell acceso dibattito-Galegati....
Ma, a parte le battute, forse la domanda non è perche? Come mai? Quando? Forse la vera domanda è :Quanto?
Si perchè la fama, la fortuna, quella carriera negata e qui invocata, attraverso questa parola passa : quanto? In inglese : how much?
Tutti parlano, criticano, accusano, spiegano ma chi tira fuori i soldi per aiutare Galegati, Gabellone e tutti quanti. Fondi indispensabili per vivere e lavorare e sentirsi sicuri di se e del proprio ruolo?
Qualche anno fa ho conosciuto Paladino e DeMaria, 1976, due emigranti senza arte nè parte. Piccoli lavori, ancora crudi. Li ho visti crescere, ho visto crescere il lavoro man mano che arrivava il successo. Incredibile anche il lavoro migliorava a vista d'occhio.
Per questo, visitata la mostra di Stefania - Luglio, Palermo, 2011 - ho acquistato due dipinti. Galegati non espone da me, non ho obblighi, non la conosco. Ciao, come va ? Niente di più. Ma questa serie di nuovi dipinti mi è piaciuta proprio, un salto. E allora basta una pacca sulle spalle? No dobbiamo metterci la faccia, non criticare e basta, niente consigli, niente polemiche.
Meglio, per la causa, chiedere: Quanto? Più concreto, uno si sente meglio. Fatti, non parole. Se vi piace il suo lavoro, se volete sostenere lei o altri, se volete far volare l'arte italiana, invece di litigare chiedete: how much? Tutto qui."

Massimo Minini

Link per il The Best in questione

Open Studio / Fac Simile / Horatio Goni e Priscilla Tea

2012-02-13T11:00:00.000+01:00

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Open Studio, Febbraio 2012

Varcando il portone di Casa Morigi, l’attenzione dell’avventore viene subito catturata dalla luce che attraversa gli infissi di quelle porte e di quelle finestre che dal 1984 custodiscono il laboratorio Fac - Simile, fucina di idee, pensieri, mostre indimenticabili. Le pareti trattengono molte tracce delle installazioni che hanno popolato questo spazio. Ci sono fori, scanalature, tasselli annegati nell’intonaco a testimoniare le tante tappe di questa storia ( tra i nomi degli artisti coinvolti anche Vanessa Beecroft, Pierre Huyghe, David Lamelas, Miltos Manetas, Xavier Vaillant). Casa Morigi, un edificio storico rimaneggiato in epoche diverse, è il risultato della complessa stratificazione di pensieri e azioni la cui successione si perde nella notte dei tempi; al contrario, la storia di Fac - Simile è facilmente ricostruibile attraverso i racconti dello stesso Horatio Goni, che ne è il fondatore. Le mostre si sono manifestate in un’ala del palazzo costruita nel 1924 per ospitare un’officina per l’assemblaggio di macchine speciali. Si tratta di un ambiente che per dimensioni, proporzioni dei volumi e per la luce che lo invade (proveniente da ben tre lucernari) fu percepito da Horatio come un archetipo di spazio espositivo, per questo ci organizzò un programma espositivo oltre ad ambientarci il suo studio. Horatio considerò sempre questo luogo come parte del suo lavoro d’artista, definendo questa dimensione del suo operare: a “gallery as an art project!”. Ogni evento espositivo che si è succeduto tra queste pareti ha, in un certo senso, modificato lo spazio, senza sovrastarlo. Da un paio di mesi Horatio e Priscilla Tea condividono lo spazio della galleria. Da questa esperienza é nata l’idea di aprire, ancora una volta, le porte al pubblico, ponendosi in spirito di continuità con la tradizione di questo posto. Quindi, in questi giorni, è possibile vedere due gruppi di lavori diversi, accomunati, però, dalla necessità di introdurre l’idea di schermo, sia digitale che cinematografico, nella pittura. Cito, a questo proposito, il comunicato stampa: “layers (strati) e piani pittorici che influenzano sia i formati dei quadri, sia il concetto di spazio all’interno di questi schermi. (tele). Modificando anche la spazialità del dipinto.” Secondo le intenzioni di Horatio Goni la soluzione dell’ Open Studio sottolinea il momento di transizione in cui si trova Fac-Simile che proseguirà la sua attività senza uno spazio fisico fisso.

Marco Tagliafierro

Anonima Nuotatori / Giallo Concialdi intervista Horatio Goti
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OPEN STUDIO
Horatio Goni - Priscilla Tea
c/o GALLERIA FAC-SIMILE
Via Morigi, 8 Milano

Per chi volesse visitare la mostra, lo spazio è aperto ancora per pochi giorni.

Per un appuntamento scrivete a galleriafacsimile@hotmail.com

Horatio Goni e Priscilla Tea

Carlo Prada, Maria Antonietta Giudicissi e Marco Tagliafierro, Maria Gloria Cappelletti

Press Play / Fondazione Sandretto Re Rebaudengo / Torino

2012-02-11T17:07:00.000+01:00

Hans-Peter Feldmann, 9/11 Front-Page, 2001

Alessandro Quaranta, The handy holes watchers parade, 2011

The Third Memory (2000) di Pierre Huyghe

Artur Zmjiewski, Democracies, 2009

Fiona Tan, News from the Near Future, 2003

Steve McQueen, Gravesend' 2007

Thomas Hirschhorn, 'Ingrowth' del 2009

Jon Kessler, Kessler's Circus, 2009

Alessandro Gagliardo, Palinsesto, note complesse, 2012
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Quell'immagine ci ha segnati un pò tutti. Stavo preparando la tesi di laurea quando, 10 anni fa, un amico mi ha detto di accendere subito la televisione. La seconda torre non era ancora caduta, la prima era già in fiamme. Con questa immagine si apre idealmente il nostro XXI secolo. Con il caleidoscopio di immagini dell' '11 settembre' si apre anche la mostra curata da Irene Calderoni, Press Play, alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo.
L' opera 9/11 Front-Page di Hans-Peter Feldmann, ci mostra centinaia di prime pagine dell'evento più visto, chiaccherato, fotografato, ripreso degli ultimi tempi. Spettacolarizzazione della sofferenza, della vulnerabilità di una super potenza come gli USA, quest'opera appunta come quest'attacco terroristico abbia creato prima di tutto un'icona indimenticabile. Un'immagine tanto reale da diventare artificiosamente irreale. Questa suggestiva opera apre il percorso espositivo che si prefigge, come dice il sottotitolo di tracciare relazioni, nessi o semplicemente, suggestioni tra l'arte e i mezzi d' informazione.
Per il contenuto della mostra, era inevitabile che il mezzo video fosse quello più utilizzato. Questo ha fatto si che la visione della mostra richiede tempo e concentrazione. Ho avuto la fortuna di entrare quando le sale erano vuote e ho potuto soffermarmi in alcuni lavori in particolare. Alcuni lo conoscevo già, essendo opere già esposte in importanti occasioni, come The Third Memory (2000) di Pierre Huyghe, o il bellissimo breve film di Steve McQueen, Gravesend (2007) sullo sfruttamento dei lavoratori del Congo esposto alla Biennale di Venezia nel 2007.
Mi ha coinvolto molto il complesso progetto di Alessandro Gagliardo, la cui ricerca è incentrata sulla televisione come campo d'indagine per lo sviluppo di uno studio antropologico dell'Italia. L'opera, 'Palinsesto, Nota complessa', 2012, consiste in una serie di riprese video, spezzoni di trasmissioni, fotografie e proiezioni che mostra dal parto in diretta, al cerimonia straziante in tutti i sensi del funerale di Raimondo Vianello, dagli ex-politicanti che si grattano in Parlamento alle manifestazioni di piazza. L'artista accompagna l'installazione con un testo che inizia da un ricordo della madre: "...bastava piazzarmi con il seggiolone davanti al televisore per rendermi quieto e immobile per qualche ora. Era l'84 e condividevo l'avvio della mia esistenza con l'avvento delle a televisione commerciale..." Nella stessa grande sala, speculare all'installazione di Gagliardo, le decine di video di Artur Zmjiewski - curatore della prossima Biennale di Berlino - che mette in onda 20 eventi diversi, da manifestazioni di protesta a folle deliranti per una partita di calcio, a soldati in marcia ecc.
Nel video del torinese Alessandro Quaranta, invece, è un non-evento il contenuto del suo video girato al Cairo nel 2010: una folla di egizioani che con i loro cellulari filmano una scena che non vediamo. La mostra continua con video molto poetico di Fiona Tan del 2003, News from the Near Futuro: un montaggio di di cinegiornali d'epoca incentrati sui legati tra l'acqua e la vita umana.
Coinvolgente, crudele e paradossalmente divertente la grandissima installazione di Jon Kessler: vero e proprio circo - come fa riferimento il titolo - in cui l'artista inscena uno spettacolo mediatico in cui soldatini mutilati-sanguinanti vengono fatti a pezzi da rudimentali marchingegni a loro volta ripresi da piccole telecamere. Gira un pò la testa in questo girare di gambe e braccia mutilate. Corpi mutilati anche nel'altrettanto grande installazione di Thomas Hirschhorn, 'Ingrowth' del 2009. Una lunga fila di manichini con lo stomaco perforato, una coroncina con parole quali grazia, giustizia, speranza, fede, e dalle lunghe trecce simil avatar. La sua nota stilistica trash, qui esaspera le orripilanti immagini che alcuni manichini hanno hai loro piedi: persone sventrate e massacrate. Foto inguardabili e mai pubblicate.
Nel complesso la mostra è ben studiata e le opere sono interessanti. Simpatico il catalogo 'confezionato' come fosse un quotidiano.
In occasione dell'opening, è stato anche reso noto il vincitore della prima edizione del concorso indetto dalla Fondazione SoundtrArt: la sound designer Chiara Luzzana. A lei l'arduo compito di ideare la colonna sonora della mostra PressPlay. L'unico dubbio che mi è rimasto è: come ascoltare la colonna sonora mentre ho le cuffie dei video in mostra? Se ritorno in mostra, vi racconto che soluzione ho trovato! :)

Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Richard Armstrong Direttore Guggenheim New York, Irene Calderoni, Chiara Luzzana

Alessandro Quaranta, i curatori selezionati per la Residenza 2012 FSRR, Michele Fiedler, Andrey Parshikov, Benoit Antille

Bomba

2012-02-10T13:51:00.004+01:00

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Ieri ho visto questo bizzarro video di Massimiliano Bomba nello spazio di Kaleidoscope.
"Last Resort" è il titolo di un brano dei Katatonia, dall'album Discouraged Ones; è un episodio della prima stagione dell'anime Sailor Moon; è un film con Charles Grodin; è un videogioco Neo-Geo del 1992; è una mappa multigiocatore di "Halo 3" per Xbox; è un font creato da Apple per il sistema Unicode.
Asap pubblicherò una breve intervista per capire chi è e cosa fa.
'Last Resort', è stato presentato in occasione della presentazione del secondo numero della rivista The Milan Review.

Photo Report / John Latham / Lee Ufan / Lisson Gallery Milano

2012-02-10T12:14:00.001+01:00

John Latham - Study for a Bing Monument 1976

John Latham - Untitled (from the Cosmic Blood series) 1994-95

John Latham - The N-U Niddrie Heart 1991

John Latham - Aerial view of Niddrie Woman Bing, West Lothian n.d. 1975

John Latham - Untitled (Niddrie 20 - large heart),

(Niddrie 5 - red painting), (Niddrie 2 - red painting), 1994-95

John Latham - Precursor to Story of the RIO 1982

Lee Ufan, Relatum - Lover 1986

Photo Courtesy Lisson Gallery, Milan

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Ieri sera alla Lisson Gallery di Milano si è inaugurata la mostra di due artisti rivoluzionari, conosciuti per il loro rigore concettuale e teorico. Ognuno a suo modo, John Latham (1921-2006) e Lee Ufan (b.1936) testimoniano la continua indagine rivolta alla comprensione dell’universo e delle leggi che lo dominano.

Gli spazi della galleria sono dedicati alla presentazione di lavori creati da John Latham nel corso di 40 anni, e che rivelano le profonde riflessioni dell’artista sulla tematica umana. Latham concepiva il proprio lavoro come un articolato e complesso sistema che trova, da una parte, espressione visiva nei book reliefs (dipinti che incorporano libri), negli assemblages, nei film e nelle performance e, dall’altra, forma teorica nelle riflessioni concettuali e negli scritti dell’artista.

Due le opere presentate di Lee Ufan esposte nel giardino esterno alla galleria: Relatum – Lover (1986) e Relatum – Friendship (2003). Lee Ufan è considerato come uno dei maggiori esponenti del gruppo d’avanguardia Mono-ha (Object School), attivo in Giappone alla fine degli anni ’60.

About Leigh Bowery

2012-02-10T10:39:00.002+01:00

Photo Fergus Greer, Courtesy Camera 16 contemporary art, Milano

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Una piccola raccolta fotografica dedicata a Leigh Bowery è stata presentata ieri alla galleria Camera 16 (Via Pisacane 16, Milano). Due gli autori degli ascatti, FergusGreer e Johnny Rozsa.

Per i pochi che non conoscono questo geniale e bizzarro talento, scomparso nel 1996, invito a cercarlo su youtube e scoprire le sue surreale e incredibili performance.

Quando il glamour si mischia con il grottesco, la follia con la stravaganza e l'eccesso, il talento con il trash: ecco che spunta Leight Bowery, idefinibile artista che ha avuto collaborazioni e sodalizi con Lucien Freud, Mark E. Smith dei Fall e il coreografo Michael Clarke.

Per leggere un testo completo e per scoprire la sua storia ***

FRUTTA Gallery / We recommend to use excessive amounts of nutella

2012-02-09T09:30:00.000+01:00

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La nutella del titolo è quella esagerata che dovreste aggiungere alla ricetta pubblicata sul sito della nuova galleria romana FRUTTA. In via vetrine 9 apre questo nuovo spazio con la mostra The Museum Problem, curata da Chris Fitzpatrick (andate nel suo sito per provare un brivido... :), aperta fino al 25 febbraio. Conto di andarci presto, nel frattempo pubblico un pò di foto dello spazio. La mostra collettiva ospita le opere di: Nina Beier, Liudvikas Buklys, Gintaras Didžiapetris, Dalia Dūdėnaitė & Elena Narbutaitė, France Fiction, Antanas Gerlikas, Morten Norbye Halvorsen, Chosil Kil, Juozas Laivys, Stephen Lichty, Lauren Marsden, Nicolas Matranga & Žiga Testen, Gizela Mickiewicz, Rosalind Nashashibi, Brandon Walls Olsen, Post Brothers, Chadwick Rantanen, Will Rogan, Iza Tarasewicz, Suzanne Treister e Amy Yao.Ma ci staranno tutti questi artisti in così poco spazio? La mostra, per certi versi specula anche su questo:

Why stand still? Reconnoitering the space, will the search for a prime position that doesn’t exist reveal all possible permutations of a single exhibition? Does each work physically, referentially, procedurally, or conceptually engender a line and constitute a point (while being suggestive of both lines and points)? If so, where do they lead—to each other, to themselves, to their authors, to ideas, to our eyes, feet, or minds, to time, space, things, dimensionality, or its dissolution, to unseen relations, unspoken conversations, to museum guards and optimal vistas? If fixed, static, how can we chart and navigate the lines of ight (and sight) stemming from each work, extending between each pairing, across each subset, bouncing through the whole exhibition? How does each work’s proximity to another change the proximity of everything else,
including us? And with sound reflecting throughout the space, does what we hear re-contextualize what we see, or is it the reverse? With so many works leading to so many destinations, if we follow them far enough, will we end up outside of Frutta?

Frutta
Via della Vetrina 9 - Roma

www.fruttagallery.com

LE SILENCE Une fiction / Nouveau Musée National de Monaco - Villa Paloma

2012-02-07T15:55:00.003+01:00

Linda Fregni Nagler, Things that Death Cannot Destroy (part 5, The Silence), 2012

Yves Marchand & Romain Meffre - Ballroom, Lee Plaza Hotel, Detroit, 2006 Collection NMMN, ©The Artist

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Arrivo a Monte Carlo in una notte buia e tempestosa. Ricordo la città con un magnifico sole, invece, quasi spostata in un'altra era meteorologica, mi attende un forte acquazzone. Questo imprevedibile brutto tempo, per molti versi, mi predispone ad una mostra presentata come ‘apocalittica’. Giorni prima ho avuto la possibilità di leggere l’approfondito testo di Simone Menegoi, curatore di LE SILENCE Une fiction, la mostra ospitata al Nouveau Musée National de Monaco - Villa Paloma. Il progetto è stato co-curato da Cristiano Raimondi e il percorso espositivo è accompagnato da un testo di Chris Sharp.

Strutturata come un racconto di fantascienza, questa mostra trova la sua genesi nella visione del film di Herzog, 'Ignoto spazio profondo': “Appena lasciato il cinema” spiega Menegoi, “dissi all’amica che mi accompagnava che mi sarebbe immensamente piaciuto fare una mostra ‘come’ il film. Una mostra strutturata come un racconto, un racconto di fantascienza a sfondo apocalittico; una mostra in cui una cornice narrativa, creata con pochi elementi, permettesse una lettura imprevista delle opere, fittizia e poetica; una mostra, infine, piena di slittamenti temporali e anacronismi, in cui il presente potesse sprofondare nel passato remoto, o al contrario proiettarsi nel futuro.”
La storia che ci raccontano le opere, suddivise in capitoli, è quella del nostro pianeta in un futuro sconosciuto, quando la terra è diventata inabitabile e dunque deserta e silenziosa.
Tutto parte da un video molto suggestivo commissionato dal museo all’artista francese Adrien Missika, ‘Darvaza’: un film su un cratere nel deserto del Karakum in Turkmenistan.

Maurice Blaussyld, Granit, 1998 e Hiroshi Sugimoto
Eiffel Tower, 1998

Erin Shirreff - Ansel Adams RCA Building, circa 1940, 2008
Courtesy : The Artist and Lisa Cooley, New York ©The Artist

Peter Buggenhout, The Blind Leading the Blind #36, 2010 - Mixed media (polyuréthane, epoxy, foam, polyester, polystyrene, dust) Courtesy Galerie Laurent Godin, Paris © L'Artiste

Dai fumi ‘romantici’ di questo video, alle suggestioni della pittura della prima metà dell’800, il passo è breve. Constable, Friedrich, Turner sembrano andare idealmente a braccetto con registi quali l’Herzog di Fata Morgana, il Kubrick di 2001 Odissea nello Spazio e il Tarkovskij di Stalker.
Senza contare balzi nel presente con scintille di film catastrofici, su tutti WALL•E, dove era tristissimo vedere un robottino fin troppo umanizzato giocare con uno scassato cubo magico di Rubik o con altri oggetti a noi contemporanei ma che nelle sue mani sembravano cose desuete.

Simone sembra aver attinto per questa mostra, dunque, in un grande serbatoio visivo dove arte contemporanea, ricordi letterari e cinematografici, immaginazione visionaria, pittura romantica, appunto, lo hanno guidato verso tre tappe espositive coerenti e ben studiate: “La prima parte è dedicata alle vestigia lasciate dietro di sé da un’umanità scomparsa, viste come attraverso la lente di un immaginario archeologo; la seconda si concentra sulla flora e la fauna terrestri, presentate come se fossero esotiche ed estinte; l’ultima racconta il tentativo di colonizzare un altro mondo, il suo fallimento, e infine il ritorno a un pianeta lussureggiante che potrebbe essere la Terra stessa dopo la fine dell’uomo.”

Maurice Blaussyld, Opsis ou voix de femme, 1994 Courtesy : l’Ariste

Pierre Savatier, 237 Ile de France, 1994

Courtes : FRAC Poitou-Charentes ©The Artist

I reperti di Vladimir Arkhipov

Michael E. Smith, Larry Bird, 2010 - Courtesy : Michael E.

Smith and KOW BERLIN © The Artist

Michel Blazy Sculpture, 2001/2012 Courtesy : art: concept, Paris

Ogni opera meriterebbe lunghe descrizioni e approfondimenti proprio per la cura quasi maniacale con cui il curatore ha tessuto, studiato, scavato in oltre 4 decenni di arte e fotografia contemporanea. Tanto è stato bravo nell’individuare le opere azzeccate che, se dovessi muovere una critica – come non potrei? – sarebbe dettata proprio per questo palpabile eccesso di perfezione e puntualità contenutistica. Se dovessi... ma non necessariamente devo, perché questa mostra è veramente ben costruita, organizzata e, non ultimo, ha un piacevole ritmo.

Dall’infernale e coinvolgente video di Missika, alla grande scultura-carcassa di Peter Buggenhout, alla metropoli gotica e dark di Sugimoto o alla Detroit in decadenza di Yves Marchand & Romain Meffre ... per giungere alle immagini di Erin Shirreff che, contemporanea impressionista, riprende una foto di Ansel Adams del 1940 e ne fa rivivere digitalmente l’atmosfera, potenziando i chiaroscuri o aumentandone le luci e ombre.

Emozionante la raccolta di Vladimir Arkhipov che, con spirito da antropologo, ha catalogato una lunga serie di oggetti costruiti con materiale di recupero: un badile costruito con una stampella, dei giocattoli costruiti con vecchie scatole, gabbie per uccelli fatte con cassetti ecc.

La mostra è stata ‘costruita’ a paragrafi. Il primo si apre con “Things That Death Cannot Destroy”, titolo della performance di Linda Fregni Nagler e di alcune sue installazioni sparse per tutti il percorso dell’esposizione. Avvicinando gli occhi a dei contenitori piramidali in legno, una serie di coppia di diapositive: degli uccelli, alcune uova, delle architetture di inizio secolo, delle stelle, dei pianeti...
La performance di Linda Fregni Nagler, ‘Things that Death Cannot Destroy’, consiste in una doppia proiezione di diapositive in vetro utilizzando delle lanterne magiche. Probabile che qualcuno abbia già visto questo tipo di performance in occasione della personale dell’artista alla galleria Monica De Cardenas (maggio 2011). Stesse azioni e mezzi, le lanterne magiche, solo che per la mostra 'Le Silence Un fiction', la selezione delle diapositive è guidata dal tema dell’esposizione. Le fotografie, scattate tra 1870 e 1920, sono state raccolte da Linda nel corso degli anni; mi racconta che ne ha circa un migliaio. La performance, avvenuta durante i giorni dell’inaugurazione, consisteva nel mostrare una doppia proiezione di immagini mentre una voce femminile legge le didascalie originali scritte nelle lastre di vetro. Proveniente da tutto il mondo, le immagini mostrate in coppia sono legate tra loro da strane associazioni visive, rimandi sia formali che contenutistici. Facce, costumi, natura, meccanismi, arte, oggetti: familiarità, surrealtà, associazioni libere o guidate da rimandi visivi hanno costruito un ipnotico viaggio antropologico. Ricordo paesaggi siderali, ritratti costruiti, opere d’arte fotografate ‘artisticamente’, ma anche un pipistrello, una giraffa impagliata, degli scalatori, una macchina fotografica, dei pianeti, la luna, un occhio...

Linda Fregni Nagler, Things That Death Cannot Destroy

Tra i tanti paragrafi, uno dedicato alla documentazione, uno alla glaciazione, ai reperti, alle testimonianze, alle ricostruzioni ecc. Elegante e curiosa la seconda parte della mostra, quella dedicata al mondo della natura. Qui le opere di Jochen Lempert, Karl Blossfeldt, l’“erbario” di impronte luminose di Lourdes Castro e 'Opsis ou Voix de Femme' di Maurice Blaussyld: una tavola di pioppo esposta in una teca come un pezzo di oreficeria. Accanto i cactus fotografati da Brassaï gli incredibili Paesaggi di Michel Blazy: strane rappresentazioni di piante che sembrano fossili, create dall’azione di piccoli roditori su tavole spalmate di sostanze alimentari come crema di cioccolata, pistacchio e vaniglia. Bello l’angolo che ospita le foto in bianco e nero di Jochen Lempert, ‘Oiseaux‐Vögel’, e il dittico di Bartolomeo Bimbi, Uccelli, ca 1710‐1720.

L’“erbario” di impronte luminose di Lourdes Castro

Michel Blazy, Branche, 2009 - Chocolate and vanilla creamy dessert, eggs, sweet condensed milk on wood nibbled by mice - Courtesy : art: concept, Paris © ADAGP, 2012

Il dittico di Bartolomeo Bimbi, Uccelli, ca 1710‐1720 e Jochen Lempert, ‘Oiseaux‐Vögel’

Rudolf Polanszky Hypertransform Sculpture, 2006
Courtesy : l’Artiste et Ancient & Modern, London

Nell’ultima parte della mostra mi fermo a lungo sulle foreste di Daniel Gustav Cramer – meravigliose - il triplo sole di Geert Goiris e le bellissime immagini del video di Carlos Casas.
Mai tenebre, inferi, fenomeni naturali e meraviglie sono state così ben dosate.

Geert Goiris, Three Suns, 2009 Courtesy : art: concept, Paris

Daniel Gustav Cramer

Adrien Missika, Darvaza, 2011 Still from HD color video with sound transferred on Blu-Ray
Collection NMNM, Gift of the Assocation des Amis du NMNM

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Simone Menegoi, Francesco Rovaldi e Linda Fregni Nagler, Simone Menegoi con Lourdes Castro

Cristiano Raimondi, Location della cena post opening

Photo Report...Margherita Manzelli / greengrassi, Londra

2012-02-06T13:57:00.002+01:00

Del nemico non si sente dire nulla, 2012

White Sensation, 2012

Unità di pressione – L’inferno in me, 2012

Oval, 2012
Photo courtesy grengrassi

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Margherita Manzelli

Il Profeta

greengrassi, Londra

gennaio - febbraio 2012

1000 battute...New York: Directions, Points of Interest / Elena Tavecchia

2012-02-06T11:22:00.003+01:00

Justin Matherly, To know death one must fuck life in the gall bladder, called salute the future, 2011,

Courtesy: Bureau, New York

Jason Loebs - TBT, 2012 Courtesy: Essex Street

Justin Matherly, But only to see his merits acknowledged, and existence assured to him (purple squares), 2011,

Courtesy: Bureau, New York

Sean Paul, Arrangement 10, Front/Top/Bottom/Right, 2011 - Courtesy: Front Desk Apparatus

Mika Tajima, Furniture Art (Los Angeles, 2), 2011

Photo by: Jason Mandella - Courtesy: Mika Tajima

Sean Paul, Every Hair of the Bear (Plum), 2011
Courtesy: Front Desk Apparatus

Josh Tonsfeldt, Spring Itinerary 2009, Fall Itinerary 1926, 2010-2011- Video digitale

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Trovare una definizione univoca di una metropoli in movimento e cambiamento costante come New York è praticamente impossibile: qui tutto scorre secondo un flusso ininterrotto di accadimenti e significati sovrapposti.
Si può pensare agli elementi che la rendono unica e allo stesso tempo molteplice, rappresentativa di una varietà, un incrocio di culture, linguaggi, appartenenze e contrasti che l'hanno resa, a partire dalla fine della seconda guerra mondiale, attraverso il processo di globalizzazione e grazie alle diverse ondate di immigrazione, una vera World City: centro propulsore e punto di riferimento globale, ma anche Contentious City, un luogo dove i conflitti e le posizioni rispetto all'identità personale e collettiva vengono costantemente dibattuti e rimessi in discussione.
Il punto di partenza di questa mostra è stato immaginare un percorso attraverso l'attuale scenario artistico new yorkese emergente. Come un lungo itinerario che si snoda tra i quartieri e le circoscrizioni, suggerendo nuove vie e angoli nascosti, percorrendo alcune strade maestre e altre non battute e prendendo qualche scorciatoia o via di fuga dagli ingorghi del traffico urbano.
Le opere degli artisti in mostra portano con sé un'eco della città in cui vivono e un accenno a quanto questo reticolo di cemento e l'incontro di persone e culture differenti possa aver influenzato la loro percezione. Allo stesso tempo, esse sono portavoce di una varietà di linguaggi, mezzi espressivi, significati e sensibilità artistiche tra le quali è difficile trovare aspetti comuni, ma che insieme alimentano un dialogo e una molteplicità che fanno di questa città e della relativa scena artistica, un orizzonte di riferimento ancora attuale e denso di significato per la scena artistica globale. *

Elena Tavecchia

New York: Directions, Points of Interest

Jason Loebs, Justin Matherly, Sean Paul, Valerie Snobeck, Mika Tajima, Josh Tonsfeldt, Daniel Turner, Sara VanDerBeek

Galleria Massimo De Carlo, Milano

*estratto dal catalogo edito da Mousse Publishing

coming soon... LE SILENCE Une Fiction

2012-02-06T09:47:00.003+01:00

Yves Marchand & Romain Meffre, Wallpaper, Broderick Tower, Detroit, 2005 - Collection NMMN, don des Artistes

Photo report / Marcel Broodthaers. L’espace de l’écriture / Mambo / Bologna

2012-02-04T18:30:00.000+01:00

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Marcel Broodthaers. L’espace de l’écriture
Veduta della mostra al MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, 2012

Fino al 6 maggio 2012
Photo Matteo Monti

VAF.... Vip Art Fair 2.0

2012-02-03T22:38:00.000+01:00

Rhizome NY Rafaël Rozendaal Burning my Time .com, 2011

Borsa Baldessari

Roman Ondak, Measuring the Universe, 2008

Dan Flavin - "monument" for V. Tatlin, 1964 - David Zwirner

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Appiccico un pò di immagini a caso e mi annoio. Come starà andando la Vip Art Fair? L'anno scorso la chat era fuori uso, il passaggio da uno stand all'altro era un pò macchinoso e i login erano lentissimi. Quest'anno probabilmente le cose 'tecniche' andranno un pò meglio. Uno dei motivi sarà perchè il traffico online è sicuramente diminuito. La curiosità per la novità sarà sicuramente diminuita.

Io, per lo meno, non provo quel gusto della scoperta di una cosa nuova, non trovo cose che mi interessano particolarmente.., qualche nome forse, qualche nuova galleria. Sarà forse perchè mi annoiano le fiere in generale, reali o virtuali che siano?

Mi chiedo se una fiera di questo tipo sia al passo con il tempi, se vada a braccetto, con tutti shop online come Amazon o iTunes.
Ma non si scrive da decenni che le fiere oltre che essere centri di grandi business, sono soprattutto ritrovi per artisti, curatori, galleristi, giornalisti, modelle, collezionisti, blogger, curiosi ecc? Pensiamo ad Art Basel o, meglio, Miami Art Basel.

Vogliamo vedere chi guarda, cosa dice e come e soprattutto a chi?

Mentre scrivo (ore 22:20 venerdì) mi arrivano 140 battute dalla VAF by twitter: "VipArtFair VIP Art Fair / the gallerists are in the #VipArtFair booths and ready to answer your questions. anything you've been dying to know? ask away!"

Dunque forza... ci siamo - ribadiscono via mail, vai twitter - chiedete, siamo vivi, respiriamo. E' curioso questo sottolineare l' 'essere presenti e disponibili'. Non siete soli nel vostro salotto, spaparazzati sul divano mentre girovagate tra gli stands. Qui siamo in tanti, tantissimi... Sarà, ma io mi sto annoiando. Non ho niente da chiedere (prezzi, misure, materiali sono tutti visibili), non parlo con nessuno, non ho nessuno con chi commentare, nessuno che mi guarda, nessuno da guardare.

E se organizzassimo un maxischermo a casa di qualcuno? Litigheremmo su chi clicca e dove?

coming soon... press play

2012-02-02T23:59:00.002+01:00

Fiona Tan, New from the Near Future, 2003, Video, Collezione Sandretto Re Rebaudengo

D'Apres Giorgio / Roma

2012-02-02T10:54:00.003+01:00

Casa- museo di Giorgio De Chirico

Benny Chirco, Cavalli in riva al mare, 2012

Giulio Frigo, Il discreto insistere di una testa all'interno di un campo visivo, 2012

Dan Rees, O Brother, 2012

Luca Vitone, Natura morta con Punt & Mes, 2012

Nicola Pecoraro, Untitled (23 Skidoo), 2006-2012

Nina Beier, Dead Drop, 2012

Olaf Nicolai, Lettere dallo studiolo, 2012

Foto di Alberto Savino con foglie secche

Luigi Ontani, SeniSeminodo, 2012

Tobias Madison - Kaspar Müller, Hospitalily (Doorstopper), 2012

Luca Trevisani, Placet Experiri con Giorgio #1, 2012

Paul Armand Gette, La toilette de ka Nymphe, 2012
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Era la prima volta che ci mettevo piede. Mi avevano raccontato che era un luogo molto affascinante oltre che bellissimo. Senza contare che, l’illustre padrone di casa, Giorgio De Chirico, non si sbagliava di molto quando scrisse: “Dicono che Roma sia il centro del mondo e che piazza di Spagna sia il centro di Roma, io e mia moglie, quindi si abiterebbe nel centro del centro del mondo, quello che sarebbe il colmo in fatto di centrabilità ed il colmo in fatto di antieccentricità.”
Piazza di Spagna, giornata assolata. Prima di guardare dentro, guardo fuori e giù, per ammirare il ‘centro del centro’.
Sono qui grazie all’ambizioso progetto del curatore Luca Lo Pinto, che ha coinvolto una lunga lista di artisti – italiani e stranieri – per dialogare idealmente con il grande artista, con i suoi oggetti e la sua casa-museo. “D’après Giorgio si propone di creare un secondo livello di lettura della Casa-museo per le persone che la visitano e di offrire un nuovo punto di vista su de Chirico, attraverso il dialogo instaurato con gli artisti contemporanei” – spiega Luca Lo Pinto – “Il titolo della mostra fa riferimento ai famosi ‘d’après’ dello stesso de Chirico ed è un modo di rendere omaggio a una figura cardine dell'avanguardia del Novecento, la cui influenza sulle nuove generazioni di artisti persiste ancora oggi. Nel contempo è l’occasione per far conoscere la Casa-museo a un pubblico sempre più ampio, attraverso una mostra pensata come una lunga storia, con le opere a fungere da capitoli, al fine di produrre una narrazione al tempo stesso dilatata e frenetica, didascalica e sfuggente, intima e concettuale”.
La mia visita è stata guidata dallo stesso curatore che mi ha raccontato brevemente come sono nate alcune opere, il loro punto di partenza od osservazione. Si inizia con l’opera di Luca Trevisani, Placet Experiri con Giorgio #1, al quadro ‘smontato’ con cavalli di Benny Chirco (anche lui presente all’opening, racconta che da ragazzino era rimasto impressionato da un quadro di De Chirico nel salotto dello zio), all’interessante ritratto che Giulio Frigo dedica al grande maestro, alle foglie secche incollate sulle finestre di Dan Rees (citano una fotografia di Alberto Savino che si trova al piano superiore). Continuiamo la visita con l’opera ‘divertente’ di Luca Vitone: in una piccola sala da pranzo, dove alle pareti ci sono per lo più nature morte, l’artista ligure ha inscenato una sorta di omaggio a De Chirico. L’installazione ‘Natuta morta con Punt & Mes’ consiste in una tavola preparata con tovaglia, posate, torta e panino (quelli che De Chierico era solito ordinare al baretto sotto casa) e, con il suo liquore preferito. Tutte le cose commestibili sono in realtà di plastica. In un angolo un’opera di Alek O. realizzata quando l’artista era ancora studente.

A seguire un poggiapiedi i Martino Gamper, un libro d’artista di Nicola Pecoraio ecc. ecc.
Al secondo piano, un’opera curiosa di Olaf Nicolai, ‘Lettera dallo studiolo’: una macchina da scrivere con fogli bianchi utilizzabili dai visitatori. Nella camera, sopra il letto matrimoniale, un capello leopardato in finta pelliccia di Nina Beier, ‘Dead Drop’.
Disseminati un po’ dovunque, dei fermaporte di Tobias Madison e Kaspar Müller.
La visita finisce nello studio di De Chirico che ospita una fotografia di Ontani, una piccola scultura di Raphäel Zarka, un disegno di Carola Bonfili e un’opera di Trevisani.

Consiglio vivamente una visita, senza fretta. Abbiamo tempo fino a gennaio 2013 per fissare un appuntamento.

Luca Lo Pinto, Luca Trevisani, Raphäel Zarka e Benny Chirco

Mike Kelly 1954 - 2012

2012-02-01T23:38:00.001+01:00

MIKE KELLEY. The Uncanny

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bye bey!

The Joyful Mysteries of Junior / Georgina Starr / Pinksummer / Genova

2012-02-01T09:30:00.000+01:00

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Il corpus delle opere di Georgina Starr è come un lungo percorso psicoanalitico (non a caso la sua homepage si apre su un cervello), incentrato sul rapporto conflittuale con i genitori e su un immaginario pre/durante/post-adolescenziale. Un universo molto femminile, fatto di sorelline adottive sparite e poi riapparse, attrici di film muto che somigliano alla madre, la collezione di vinili bruciata dai genitori, piccole ossessioni per immagini e ricordi dimenticati o ritrovati, le feste, la musica, i vestiti, il cibo, i gatti, le sedute spiritiche... insomma un punto di partenza piuttosto ordinario e parecchio british, anche.

Per la sua quarta personale da Pinksummer, dal titolo "The Joyful Mysteries of Junior" Georgina riesuma un suo lavoro del 1994 quando, durante un soggiorno di due settimane a L'Aia, a suo dire per combattere la noia, aveva realizzato Junior, un pupazzo a sua immagine e somiglianza, divenuto poi protagonista di alcuni video, performance e altri lavori. Dopo 18 anni a Junior, raggiunta la maggiore età, proprio l'età alla quale la sua creatrice aveva abbandonato la casa dei genitori, viene riservato il compio di simboleggiare il conflitto irrisolto dell'autrice con il tema della maternità. L'artista (ormai abbondantemente quarantenne) sostiene di non aver mai desiderato di essere madre... l'esito potrebbe essere tragico!

E invece l'affermazione potrebbe essere vera, o comunque la frustrazione viene esorcizzata in maniera divertente, perché l'approccio iconografico al tema del ventre materno, visto come qualcosa di estraneo, si trasforma in un'equazione decisamente irriverente: Pancia=bubble gum! Palloncini gialli e rosa evocano scenografie belle époque e spettacoli di varietà, in cui le ballerine sono tutte incinte di Junior. C'è un po' di tutto, autoritratti vecchi e nuovi, sculture, acquerelli, video, pornografia vintage, vinili e tip-tap.
La mostra ti cattura, ha ironia, paranoia, un che di allucinatorio ed inquietante, ma anche misura, e la malizia non scade mai nel cattivo gusto. La performance è curata nei dettagli e i disegni sono bellissimi. Alla fine di tutto c'è pure il rischio che l'idea di appenderti in casa una collezione di cicche masticate, appuntate come fossero farfalle, potrebbe non sembrarti nemmeno così assurda.

Andrea Balestrero

Massimiliano Gioni sarà il nuovo direttore artistico della Biennale di Venezia!!!

2012-01-31T15:41:00.000+01:00

E' confermato! Massimiliano sarà il Direttore 'capo' della prossima Biennale di Venezia! Urrà!

Questi gli incarichi deliberati dal CDA della Biennale:

Massimiliano Gioni è stato nominato a maggioranza Direttore del Settore Arti Visive con lo specifico incarico di curare la 55. Esposizione Internazionale d’Arte che si terrà nel 2013

Ivan Fedele è stato nominato Direttore del Settore Musica per il quadriennio 2012-2015

Àlex Rigola, già Direttore del Settore Teatro negli anni 2010-2011, è stato confermato per il biennio 2012-2013

Ismael Ivo, già Direttore del Settore Danza dal 2005 al 2011, è stato confermato per l’anno 2012

Find a Problem to Solve / Edward Thomasson

2012-01-30T18:12:00.000+01:00

Find a Problem to Solve, video, 8 min 30 sec, 2008

Courtesy Furini Arte Contemporanea, Roma

Voluntary Working Relationships, 2010/11

Courtesy Furini Arte Contemporanea, Roma

Voluntary Working Relationships (2010-11),

Courtesy Furini Arte Contemporanea, Roma

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Scopro galleria e artista interessanti. Roma, Via Giulia, Furini Arte Contemporanea. L'artista è Edward Thomasson (1985, Staffordshire, Inghilterra), e ha esposto un video del 2008 'Find a Problem to Solve' e una serie di piccoli disegni. Questi ultimi, mi raccontano, sono una sorta di storyboard di video immaginari dove però, a un disegno non ne seguono altri.... e spesso non segue neanche la realizzazione di un video vero e proprio. Il giovane artista, scoperto dal gallerista alla Royal Academy (se non ricordo male), mi ha lasciato in mente alcune suggestive immagini del video. Che in realtà non ha niente di spettacolare, eclatante o fortemente incisivo. Ha però una particolarissima atmosfera che, non nascondo, mi piace molto.

Della durata di pochi minuti, il video racconta le eleganti coreografie di alcune ballerine-ginnaste. Ai movimento aggraziati, una dolce e soave canzone cantata dalle stesse.

"La musica ha un ruolo centrale nella costruzione dei suoi video. Edward Thomasson scrive i testi per le canzoni che, eseguite dagli stessi attori dei video, diventano parte dell’azione. Filmati in stanze indefinibili che rimandano a sale d’aspetto, centri di terapia o aree ricreative, e set costruiti che somigliano a semplificati spazi interni o esterni, i lavori narrativi di Thomasson ripropongono strategie e meccanismi comuni alle azioni televisive, a video informativi e musical."

Consiglio una visita.

Coming soon... D'Apres Giorgio / Roma

2012-01-30T13:10:00.002+01:00

Ha-ha / Machinator / Plusdesign / Agudio e Stucchi

2012-01-29T00:00:00.000+01:00

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Alessandro Agudio e Davide Stucchi in occasione di Ha-ha nello spazio Plusdesign* a Lambrate, Milano.

Davide Stucchi: Nell’androne di casa Berri - Meregalli a Milano: Adolfo Wildt o Giulio Ulisse Arata?

Alessandro Agudio: G. U. Arata, anche il suo complesso termale napoletano di Agnano, progettato come casa Berri - Meregalli negli anni dieci del novecento. Quest'opera mi affascina come logica di inserimento di un ambiente costruito in uno naturale. Inoltre il portale d'ingresso di queste terme è stato spostato più a valle come altri resti degli edifici che facevano parte della struttura originaria dopo il loro abbattimento negli anni sessanta. Ora mentre sto guardando le immagini di questo luogo penso di trasportarci la Vittoria di Wildt.

D. S. : Ha-ha di William Kent o Swoosh di Nike?

A.A. : Ha-ha di William Kent.

D. S.: Teoria delle ombre o Libro d'ombra di Junichiro Tanizaki?

A.A.: Libro d'ombra, e Il tokonoma più di tutto, ovvero una nicchia nella stanza principale della casa giapponese dove esporre di volta in volta un quadro o qualche fiore. E a fianco una cameretta a pedana.

D. S. : Il progetto Machiantor o il Festival Dominator?

A.A. : Entrambi! Machinator l'abbiamo provato, mentre a Dominator dobbiamo andarci.

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* Questo progetto è inscritto in un’idea più ampia che ha avuto origine a partire da una visione di Marco Tagliafierro, un’immagine della mente per la quale alcuni artisti verranno invitati a confrontarsi con le proprietà linguistiche di alcune architetture che ospitano l’arte nella contemporaneità. Si tratta di un format che prevede l’interazione di uno o due artisti con un'architettura, questo per ogni tappa di un programma di appuntamenti che si andrà a definire strada facendo. Si chiamerà machinator, termine latino che accanto ai significati di fabbricatore e meccanico aveva anche quello di architetto ed ingegnere. Se ne può desumere una concezione di architettura che la equipara al concetto di macchina. La scarsa comprensione delle modalità di funzionamento della macchina, per quell’epoca, ha portato il curatore a pensare ad una concezione di architettura percepibile come problema aperto.

Some call him pig / Gianni Pettena

2012-01-27T15:10:00.000+01:00

Clay House, 1972, Installazione ambientale, Salt Lake City, Utah, (USA)
Courtesy: Galleria Enrico Fornello - Federico Luger

Ice House I, 1971, Minneapolis, Minnesota, USA, 1971, Installazione, Acqua e tubi in gomma.

Courtesy: Galleria Enrico Fornello - Federico Luger

Il mestiere dell’architetto, 2002 Courtesy: Galleria Enrico Fornello - Federico Luger

Hand Made - Vista dell'installazione, Courtesy Galleria Enrico Fornello

Fotografie Floriana Giacinti

Courtesy Galleria Enrico Fornello - Fotografie Floriana Giacinti

Io sono la spia, 1973, Courtesy Galleria Enrico Fornello - Fotografie Floriana Giacinti

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Allora è vero che nessuno ti dà la possibilità è che tu ce l'abbia questa possibilità di girare vestirti mangiare e viaggiare e pensare questo no lo puoi fare se lavori se vai avanti non se stai fermo su una mattonella devi guadagnartelo questo devi conquistartelo e devi farlo così cercando il modo miglioreil più liberante ma le devi fare vedi non puoi sfuggire e io dico che è una bella fregatura è una legge come quella di respirare sembra non ci possa fare nulla e cerchi di dare una forma a ciò che ti passa in mente di dargli un uso e una necessità, per gli altri di prestarci attenzione, non basterebbe parlarne così bisogna anche eccitarsi e dire che sei bravo e serio e hai voglia di farlo e ci credi fino in fondo e ci dedichi la vita. Così anche quando sono partito con giulia e stefania e sono arrivato nella luna da peretola e sono arrivato a chicago e lì nel labirinto dell'aereoporto dove nessuno parlava quello a cui eri abituato ti dirottava a cenni fino al gate del tuo aereo per continuare senza una lira e senza capire perché parlavano troppo in fretta e da midwest e tu potevi che so aver speso un anno in inghilterra e non era servito a nulla niente di niente. Partire da zero là si giocava lo stesso gioco ma con carte diverse bisognava cambiarle in fretta e imparare a decifrarle perché per un anno avevi deciso di stare via di prendere una boccata d'aria (bella fregatura) ti toccava veramente incominciare daccapo e camminare cosa devo essere sembrato non so non me ne importa niente ma si invece apparivo misterioso diverso questo era già importante era una cosa da sfruttare.
Ma il caldo era troppo l'umidità a cento sei per cento sarà possibile e gli inches invece dei centimetri una noia vera e il panino il panino congelato FROZEN SANDWICH un panino tagliato per lungo con due fette di formaggio e due di salame rinchiuso e congelato e la pizza congelata e il some call him pig correvi il pericolo di diventare didattico i laghi erano belli ma io ci caddi dentro con la barca rovesciata e la vela bagnata sul lake harriet alla fine di ottobre a urlare HELP. La polizia sapeva tutto: cosa fare e cosa dovevi fare tipo prendere due aspirine e andare a letto alla fine quando lasciammo l'auto c'era tanta acqua sul pavimento fino al punto in cui ci scaricarono davanti alla porta di casa e quel cartello
Some call him pig

Gianni Pettena

1973, è tratto dal libro "L'Anarchitetto" edito da Guaraldi

Some call him pig, 1971

Gianni Pettena

LE OPERE / MOTIVAZIONI / Premio Italia / Maxxi /Roma

2012-01-26T13:13:00.001+01:00

ADRIAN PACI

Adrian Paci, The Visitors - Photo: Cecilia Fiorenza

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Adrian Paci
L’esperienza dell’emigrazione, il nomadismo, l’identità, il rapporto tra privato e dimensione collettiva sono le tematiche al centro del lavoro di Adrian Paci artista a albanese, giunto in Italia nel 1992. Le sue opere vanno dalla scultura alla fotografia, dal video alle installazioni, con capacità iconica fuori dal comune. Il suo lavoro è impregnato della forza poetica del ricordo e della lontananza, del senso di solitudine e il desiderio che si prova per ciò che si è stati costretti a lasciare. L’artista affronta da una parte un’adesione alla realtà quasi da reportage, dall’altra una chiara apertura ad una lettura metaforica, che vada oltre il fatto individuale. Frequente è la riflessione sui temi della casa, del lavoro e dei vincoli affettivi, intesi sia come valori della vita privata che come argomenti del dibattito sociale. Attraverso le sue opere, Paci costringe a ragionare su cosa voglia dire per ciascuno di noi appartenere a un contesto, su come interagisca la nostra dimensione privata in relazione a tutto quel che ne è esterno, sul rapporto con le radici, non necessariamente sulla condizione di migrante in senso stretto, ma in senso più aperto sul disorientamento e sulla fatica ad individuare una propria "casa”.

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LUCA TREVISANI

Luca Trevisani, Il dentro del fuori del dentro, Photo: Cecilia Fiorenza

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Luca Trevisani
I suoi lavori comportano lunghe e articolate operazioni di ricerca, Trevisani non teme che siano incapaci di comunicare sensazioni. I suoi lavori hanno spesso riguardato il tema della collettività, indagando gli spazi e le dinamiche della condivisione. Tratta temi che si ispirano a fenomeni naturali, costruendo le sue "sculture" attorno all'idea di flusso, di gorgo: situazioni in cui il confine si perde. Artista mai sazio di nuovi stimoli, attinge liberamente, in modo puntuale e non scontato, alla storia, l'attualità, i testi scientifici, la letteratura. Privo di ossessioni particolari e aperto a incontri imprevedibili, può far entrare ogni cosa nel suo lavoro. Pieno di idee e di sangue freddo, è sicuro di sé. Non dimentica il tema del fallimento: lo esplora nella pratica quotidiana del suo lavoro reinventando i progetti che non lo soddisfano , senza sfuggire alla sensazione di incapacità che necessariamente ne deriva.
I progetti di Luca Trevisani, mossi da intenzioni poetiche di fondo e sviluppati per sensorialità e sensibilità, mostrano l’attenzione che l’autore capta durante la loro realizzazione. Il residuo, il frammento quale strumento di riattivazione di energie latenti o sopite, liberate attraverso un progetto processuale induce lo spettatore a sintonizzarsi su di una frequenza evocativa e sospesa.
Tutto è variazione, incessante esplorazione di un ‘grado potenziale della forma’ e in questo senso il fattore strutturale e non lineare risulta strettamente connesso alla costruzione dell’opera, alla sua densità e variabilità.
I suoi interventi sono interstiziali e si connotano per pause, intervalli, possedendo pertanto una loro logicità intuitiva non razionale. Fisicità della materia e allusività sono infatti i due strumenti attraverso cui rendere concreta l’Idea, per dare sostanza a delle visioni che non rappresentano vere utopie ma variabili inespresse, e pertanto semplicemente ancora non verificate, di realtà. Luca Trevisani impiega la destrutturazione del linguaggio con un intento apparentemente perverso: far collassare un mondo ordinato per generare una differente piattaforma di operatività, funzionale ai cambiamenti in atto.

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PATRIZIO DI MASSIMO

Patrizio Di Massimo, Una Turandiade Buzziana (in forma di note), 2011

Still da video-animazione in alta definizione 44 minuti, Courtesy l'artista

Patrizio Di Massimo, Una Turandiade Buzziana (in forma di note), 2011 - Photo: Cecilia Fiorenza

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Patrizio di Massimo
Il lavoro di Patrizio di Massimo rappresenta un unicum in Italia per la sua capacità di fondere un’efficace critica alla storiografia del nostro paese con una sperimentazione linguistica innovativa. Il suo sguardo decostruisce la forma mentis italiana che la narrazione storica ufficiale ha prodotto, mettendo in luce le sue debolezze. A Di Massimo interessa la revisione storica dei fatti nella relazione tra il linguaggio e la situazione. Attraverso la rivisitazione di alcuni luoghi emblematici della storia dell’arte nel dopoguerra ma soprattutto delle tracce lasciate dal fascismo nella cultura italiana di oggi, Di Massimo si confronta con le modalità subdole con cui si è articolato un certo immaginario collettivo italiano. Analizzando i fatti storici del colonialismo italiano l’artista parla in realtà non solo del passato ma del nostro presente storico e dell’identità nazionale percepita in gran parte come naturale e universale. Nei suoi lavori di Massimo avanza una tesi che non è solo estetica ma una ricerca socio-politica sul ruolo propagandistico del ‘ritorno all’ordine’ delle avanguardie artistiche durante periodi di conservatorismo. Il ricorso al passato come espediente viene svelato da Di Massimo come la strumentalizzazione del fatto storico trasfigurato in un’elaborazione mitologica, falsata per motivi ideologici.

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GIORGIO ANDREOTTA CALO'

Giorgio Andreotta Calò, senza titolo 2011 - veduta del quartiere Flaminio dalla vetrata del
MAXXI, Roma Foto Simone Settimo

Giorgio Andreotta Calò, attraverso le sue sculture e installazioni e video ha creato opere che si collocano tra la poesia e la politica con un legame molto stretto alla questione del paesaggio, alla realtà clandestina dell’uomo. L’artista esplora quasi ossessivamente i limiti e i confini dello spazio e del corpo nel loro sviluppo nello spazio temporale. I suoi lavori testimoniano il suo modo di affrontare la realtà delle periferie cittadine e la desolazione di alcuni ambienti naturali mettendo in risalto l’insopportabile solitudine dell’animo umano nel contesto sociale e psicologico del nostro tempo.

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La giuria del Premio Italia arte contemporanea 2012 è composta da:

Udo Kittelmann, Direttore Staatliche Museen, Berlin - Luigi Ontani artista - Jessica Morgan curatore Tate Modern, Londra - Elena Filipovic curator at WIELS Contemporary Art Center in Brussels - Anna Mattirolo, Direttore MAXXI Arte

ha selezionato i 4 finalisti del Premio Italia: Giorgio Andreotta Calò (proposto da Chiara Parisi, Direttore Centre international d’art et du paysage, Ile de Vassivière), Patrizio Di Massimo (proposto da Francesco Manacorda, Direttore Artistico della Tate Liverpool), Adrian Paci (proposto da Cristiana Perrella, curatore indipendente) e Luca Trevisani (proposto da Andrea Bruciati, Direttore artistico della Galleria comunale d’arte di Monfalcone)

Gli artisti sono stati scelti tra le 15 candidature proposte da otto direttori e curatori delle maggiori istituzioni di arte contemporanea italiani ed europei:

Lorenzo Benedetti, Direttore del Art Centre di Vleeshal, Middelburg (NL) - Chiara Parisi, Direttore Centre international d’art et du paysage, Ile de Vassivière (FR) - Alessandro Rabottini, Curatore GAMEC - Galleria d'Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo - Andrea Bruciati, Direttore artistico della Galleria comunale d’arte di Monfalcone - Irene Calderoni, Dipartimento curatoriale della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino - Francesco Manacorda, Direttore Artistico Tate Liverpool - Cristiana Perrella, curatore indipendente - Mario Codognato curatore Museo MADRE, Napoli

La giuria decreterà poi il vincitore, valutato anche sulla base dell’opera realizzata per il museo. All’artista vincitore verrà dedicato un catalogo monografico su tutto il suo percorso artistico, in edizione bilingue, e la sua opera verrà acquisita nella collezione del MAXXI.

Io non c'ero... / Francesco Vezzoli / 24 Hours Museum, Paris

2012-01-26T09:47:00.003+01:00

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24 - 25 gennaio, 2012

24 h Museum concepito da Francesco Vezzoli in collaborazione con lo studio AMO di Rem Koolhaas e grazie a Prada. A Parigi, presso lo storico Palais d’Iéna disegnato da Auguste Perret tra il 1936 e 1946 e sede del CESE, il Conseil Economique, Social et Environnemental francese.

Tutto a 9.99 euro! Personal Effectsonsale a Bologna

2012-01-25T14:11:00.000+01:00

Photo © Sara Montali

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Quello che vedi qui sopra è solo una piccola selezione delle altre decine e decine di oggetti in vendita. Per chi è a Bologna da domani a domenica, non può perdersi questo bizzarro progetto 'personal effectsonsale' nello storico Padiglione dell'Esprit Nouveau realizzato nel ‘77 su progetto di Le Corbusier di fronte all’ingresso principale della Fiera.

In cosa consiste 'personal effectsonsale'? Un centinaio, più o meno, di artisti nostrani e alcuni internazionali, sono stati invitati a mettere i propri oggetti personali in vendita. Il prezzo? 9.99 euro. Direi proprio a buon mercato.

Gli ideatori del progetto sono: Francesco Calzolari, David Casini, Viola Emaldi, Irene Guzman, Valentina Rossi, Marco Scotti e Sissi. "Il format si allontana dalle dinamiche del mercato e dai canoni espositivi classici, attraverso la messa in scena non di opere d’arte ma di effetti personali di artisti, reperti biografici ed espressioni tangibili di individualità. Una scelta che attiva una interpretazione di tipo narrativo che permette al pubblico di entrare in diretto contatto e di indagare l’immaginario personale degli artisti."

Le regole del 'gioco' sono molto semplici: potrai ammirare gli oggetti e acquistare quello che più ti ha incuriosito o affascinato con pochi euro. Nessuno, però, prima dell'acquisto, può sapere a quale artista è appartenuto l'oggetto in questione. Duque sarà un terno al lotto. Dovremo essere guidati unicamente dall'istinto e dal nostro gusto.

Photo © Andrea Scardova (IBC)

Short Interview / Gino De Dominicis / ...

2012-01-24T18:19:00.000+01:00

L’artista e il suo doppio, anni ottanta tecnica mista su foto, 23,5 x 36 cm Collezione privata, Tezze di Arzignano

Calamitacosmica,1988-1989 - gesso,polistirolo, resina sintetica, anima di ferro, collante vinilico, 8,7 x 24 x6,3 cm

Collezione Fondazione Cassa di Risparmio di Foligno

Senza titolo (I gemelli), 1973 Persone viventi fotografia, 14 x 14 cm Collezione Silvio Sansone, Salerno Curtesy Lia Rumma

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Al bookstore della Triennale, mercoledì 25 gennaio è presentato il primo Catalogo Ragionato dedicato all'opera di Gino De Dominicis. Ci troviamo là alle 18.30.

Franco Fanelli: Signor De Dominicis, lei ha recentemente sottolineato l’estraneità di certi linguaggi all’arte visiva. A quali canoni, secondo lei, deve corrispondere l’identikit dell’artista contemporaneo?
Gino de Dominicis: Nonostante la rarità di importanti opere d’arte oggi nel mondo, solo chi riuscirà a stabilire un rapporto non superficiale e più rispettoso per le arti maggiori, pittura, scultura (opere tridimensionali) e architettura potrà capire e decidere il proprio futuro, il proprio presente e il proprio passato.Per quanto riguarda l’identità dell’artista e delle mostre d’arte, va detto che ogni espressione artistica nasce da una peculiare mentalità e da un desiderio che la differenziano ulteriormente da tutte le altre. In particolare la pittura, la scultura e l’architettura che sono immobili, materiali e mute, hanno origine dalla non accettazione della corruttibilità e della morte. Creano forme che non assecondano il tempo e fondano e perpetuano il desiderio di immortalità. Le altre espressioni invece si svolgono nel tempo, lo accompagnano e non confrontandosi con la materia non creano la forma.
FF: Chi considera oggi “artisti”?
GdD: Oggi si crede che chiunque, approfittando delle facilitazioni date dall’ambiente dell’arte, possa entrare a far parte del mondo dei grandi artisti e che con questi verrà confrontato anche se si esprime esclusivamente con performance, video, installazioni multimediali, fotografie, moda ecc. Si scambia la creazione con la creatività. Nelle ultime edizioni della Biennale di Venezia sono stati invitati a esprimersi: registi, fotografi, ballerini, ecologisti, giornalisti, scenografi, poeti, attori, critici, galleristi, stilisti, sociologi, musicisti, commediografi, performer, filosofi, video artisti ecc., e spesso è stato loro addirittura concesso uno spazio maggiore di quello riservato agli artisti visivi. Si crede anche che gli spazi deputati all’arte visiva abbiano il potere di compiere il miracolo di tramutare in opera d’arte qualunque cosa vi venga esposta. E per finire in bellezza, sono stati assegnati il premio per la migliore pittura a un video, il premio per la scultura a delle fotografie e ancora il premio per la pittura a una scultura. Tutte queste balordaggini evidenziano l’incomprensione e la mancanza di interesse per le opere d’arte visiva da parte di chi se ne vuole occupare. Negli spazi che dovrebbero essere destinati all’arte il pubblico, come in un incubo, ritrova invece proprio quei linguaggi che dominano e assorbono ormai quotidianamente l’immaginario collettivo occidentale. Linguaggi più congeniali e forse anche praticabili dagli organizzatori di mostre così da potersi sentire finalmente anche loro un po’ artisti.

Tentativo di Volo, 1970

FF: Pur essendo per scelta uno degli artisti più appartati tra quelli oggi attivi, sia pure da grande solitario per antonomasia avrà galleristi, critici, collezionisti, colleghi che sente (o sono fattivamente) vicini al suo lavoro. O no?
GdD: Io non lavoro, non ho abbastanza tempo libero per farlo. Creo delle opere e questo posso farlo da solo.
FF: Come vive in un ambiente che reclama dai suoi protagonisti presenzialismo a oltranza?
GdD: Bene. Ho notato invece che nelle occasioni e nei luoghi più interessanti non erano mai presenti persone del cosiddetto mondo dell’arte.
FF: In sostanza, perché ha scelto di “chiamarsi fuori” da anni dal cosiddetto circuito?
GdD: Il “circuito” tra l’altro sforna periodicamente dei piccoli personaggi (che avrebbero molto interessato Sigmund Freud) che vogliono provare il brivido di scocciare gli artisti. Adesso è il turno di Bonito Oliva che non fa altro che parlare di me. Se continua così dovrò disdire l’abbonamento all’“Eco della Stampa” altrimenti il mio studio sarà invaso da ritagli di giornale pieni delle sue banalità.

Ritratto di A. Canaletti

FF: Che rapporti ha con critica, musei, mercato, quotazioni, vendite e tutto ciò che fa dell’arte un lavoro?
GdD: Non mi piace né esporre né vendere le mie opere. Ogni tanto però lo faccio. Ho sempre cercato di non diventare famoso per poter poi un giorno ricomprare le mie opere a poco prezzo. Comunque le opere d’arte per esistere e per avere un buon rapporto con il mondo non avrebbero neanche bisogno di esser viste, e non essendo partecipi della dimensione temporale sono tutte contemporanee.
FF: Da un artista che appare rarissimamente in pubblico e che non concede interviste, il lettore si aspetta qualche ragguaglio… biografico. Qual è stata la sua formazione di artista?
GdD: Si sbaglia, sin da piccolo appaio tutti i giorni in pubblico e, come vede, rilascio interviste. Ho sempre dipinto e disegnato e anche realizzato opere tridimensionali. A 17 anni, in una mostra personale, ho esposto un centinaio di opere che in quell’occasione furono tutte vendute.
FF: Quali sono i suoi progetti futuri? A cosa sta lavorando attualmente?

GdD: Un extraterrestre disse ad un Sumero: “Non è mai esistita e mai potrà esistere un’astronave senza un quadro”. Farò alcuni viaggi con Clementina.

Estratti dell'intervista tra Franco Fanelli e Gino de Dominicis. Si prega di non disturbare gli artisti, in “Il Giornale dell’arte”, n. 136, settembre 1995, p. 7 dal Catalogo Ragionato Gino De Dominicis, 2012, Skira

Martin Soto Climent / La Alcoba Doble / T293 Napoli / Roma

2012-01-24T10:13:00.001+01:00

Martin Soto Climent Frame, 2012 - Courtesy T293 Napoli, Roma - Photo Maurizio Esposito

Ligera Vigilia, 2012, Courtesy T293 Napoli, Roma - Photo Maurizio Esposito

Martin Soto Climent Frame 2012 - Courtesy T293 Napoli, Roma - Photo Maurizio Esposito
ROMA
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Martin Soto Climent, La Alcoba Doble, 2012 - Installation at T293, Naples, 19/01 - 25/03, 2012
Photo by:Maurizio Esposito - Courtesy T293, Napoli/Roma

La Alcoba, 2012 - Photo by: Maurizio Esposito - Courtesy T293, Napoli/Roma

The entrance, 2012 - Courtesy T293, Napoli/Roma

NAPOLI

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Volevo fare un 'Short Interview' a Martin Soto Climent (1977, Mexico City, Mexico) in occasione della sua doppia personale negli spazi a Napoli e Roma della galleria T293. Mi ha risposto in modo appassionato e sincero.

Volevo capire il significato del titolo, il motivo di questa doppiezza...

Alcune sue considerazioni sulla mostra 'La Alcoba Doble'

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La Alcoba its a dormitory, we can say its a room to sleep but also it has a romantic connotation, a room to love. La Alcoba Doble, in a basic way means that its a room for two persons, a couple. So the name its related to the people which will occupy the space. But because this show its a double exhibition, I like the idea of interpret the gallery as one space with double intentions.

All the show is conceived under this idea of duality. Keeping in mind that each one of us its a Double Alcoba… we are complex double beens. With an organic instinctive side in relation of a rational and structured part.
But this two parts are not always in balance.

Wester culture has put too much attention in the develop of the rational side… All our fantastic technological toys came from it. But must of the individuals are constantly fighting with themselves. There is a big quantity of people that doesn't fell well.
It means something doesn't mach in the ways this double structure is done.
…

I use the space in Naples to represent the way our Irrational been works… its organic fluid with no limits… I use images related to the origin of Venus and I interpret the gallery as one big shell that contains it self many times… Many works all together and they also mix into themselves.
Nothing its determinate, just presented for a moment, install with a fragile red tape that has no intents of permanence, and goes into the space like the veins of one soft and live organism.
There are images of the gallery into the gallery and a continuos relation of the works.
...
Rome its one single and lonely thing. Its clear its compose by many elements but they are all together as part of a strong rational structure.
The frame its an element that extracts from the rest. And creates limits.

There is a more clear image of a society that its on tension keeping the structure that holds it.

There is emptiness. And the only element that its not part of the piece. Its a clear body that has adapt the form of the frame. Like a character that has an idea of itself, a Rational notion of its existence out side the rest…and delimitate its own.
…is it possible to be outside the rest? Just in our minds. (But we believe we are.)
If we don't change this perception we will always "Use" things, people, plants, the planet…love…etc… as externals. And they will be over soon.

…

If I use female objects its not to describe specific topics. I use them as a female energy, soft and flexible in contras of a male energy. For me the duality its not male-female as persons… its more like two sides of the same thing that complement each other… I guess its more close to the old Mexican idea of life… Like in Asia: Yin-Yan.
I believe we have to turn into a more female philosophy… less penetrant and damage. And I try to show it in each one of my works.
...
If I chose this images for the 50's its because their are still quite innocent in many aspects. They are images that suppose to detonate desire. And desire its what makes life moves.
But they are not aggressive and still not so fake or obvious in sexual therms like they are now.
there is still some intimacy preserve in them which I think its fundamental.
They work for me as Images of "Honest Beauty" and desire and I use them in order to recreate the origin of Venus…

The show in Rome is pure tension but goes no where… In Napoli its about the origin… as a starting point but also as a destiny… Constant Renovation. Thats why I use the Shell. I believe nothing can express better this concept.
...
Napoli its related to the Sea… as the origin of fluid life.

And Rome is the origin of a mental structure that hold us tight.

This double aspect of humans its a beautiful phenomena in Life, but Western society lives it as hard contradiction. All my work is critic in this aspect.
I guess something its not working very well… so its good to look at the origins.

We are the Alcoba Doble, and the Lovers inside!
Thanks so much for read my words…

My best,
Martin Soto Climent

La pittura che sfonda i muri / Giulio Frigo / Galleria Francesca Minini

2012-01-23T12:40:00.001+01:00

Giulio Frigo, Chora, 2012 - Exhibition view at Francesca Minini, Milan

Prestigiatore, 2012 - 2 parts - Oil on canvas, gouache on linen

La presenza dell'assenza del signor F in contemplazione di una personalissima idea di bellezza, 2012 - luce, tetraedro

Prestigiatore, 2012 - 2 parts - Oil on canvas, gouache on linen

Per tutte le foto, Courtesy Galleria Francesca Minini, Milano

Campo di girasoli sospeso, 2012
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"È una mostra intesa come una sorta di spettacolo in cui però l’unico trucco è quello della pittura e l'unico mistero è ciò che si ha davanti agli occhi in ogni singolo secondo che esistiamo." da CS

Per la sua prima personale alla galleria Francesca Minini, Giulio Frigo (Arzignano, Vicenza, 1984), ha pensato di dipingere lo spazio completamente di nero. Ha fatto spegnere i freddissimi neon e ha posto qualche faretto qua e là per risaltare i tre quadri esposti. C'è anche un occhio di bue che cerchia l'ombra 'impossibile' di un uomo che osserva una piramide appesa.

Ma andiamo per ordine.

Mi sono cercata il significato del titolo della mostra, Chora: dal greco, 'regione', la parte fuori dalle mura della polis; era il luogo dove i contadini coltivavano i campi e si dedicavano all'agricoltura. Ma forse mi sbaglio e prendo una direzione sbagliata rispetto a quella dell'artista...

L'artista, da comunicato stampa, mi invita ad immaginare la mostra come una sorta di spettacolo di illusionismo, quelli che andavano di moda a fine '800. In realtà, andando così indietro nel tempo, non posso che avere qualche sfuggente immagine cinematografica, magari anche sbagliata.

Oltre a questo, a complicare ancor più le cose - dopo aver visto la mostra - c'è anche un testo scritto da Giulio, PITTURA. Con molto semplicità, l'artista esordisce ponendosi un quesito: come e perchè l'uomo ha cominciato a dipingere. Stimolata, riapro un vecchio testo universitario (De Vecchi - Cerchiari) e cerco la prima immagini da cui si fa partire 'tutto'. Tutto inizia dal Bisonte Ferito - pittura rupestre - 13.000 11.000 a.C. Grotta di Niaux (Ariège): "L'arte del Peleolitico è essenzialmente naturalistica, tende cioè alla riproduzione del reale, proprio perchè attraverso le raffigurazioni si manifesta espicitamente la volontà di dominare la realtà, che deve quindi presentarsi come ben identificabile e riconoscibile".

Non so se ho risposto alla sua domanda. Forse mi sbaglio di nuovo e prendo una direzione sbagliata... Forse la sua è una domanda retorica. L'artista cita Plinio secondo il quale la pittura ha avuto origine nel momento in cui sua figlia ha tracciato il profilo del suo innnamorato prima che partisse.

La cosa che più mi lascia sorpresa è il motivo per cui l'artista innalza la pittura a linguaggio 'divino' ('La Pittura è capace di sfondare i muri facendo posto alla Visione', scrive Giulio), quando poi la rinchiude dentro un teatro del mistero e dell'illusione. Come se la Pittura (P maiuscola) avesse bisogno di stampelle e cornici e occhi di bue...
Mimesi? Verosomiglianza? Inganno? Sembra che leggendo il testo, l'artista parli di una pittura gestuale e istintiva che non di una tecnica che diventa un mezzo di rappresentazione come un altro.

I quadri di Frigo trasfigurano e deformano la realtà: guardandoli bene, mi ricordano De Dominicis, Bacon e, per spostarci più prossimi all'oggi, Roccasalva (un eccellente pittore non-pittore).

Penso che la pittura, più di altri linguaggio, abbia bisogno non tanto di 'nero/mistero' attorno, bensì di tanto silenzio. Non va nè spiegata nè raccontata. E' intenso pensare che non abbia una vera e proprio origine.. una grotta, degli animali, delle ombre, l'amore, la scienza o la committenza.

Tiro una tenda nerissina e i miei occhi si strizzano all'improvviso. Nella sala adiacente a quella principale, una luce bianchissima quasi mi traumatizza. La stanza è vuota. No, non è vuota. Appesi al soffitto con sottilissimi fili trasparenti, dei piccoli semi.
Dimenticavo. C'è anche un timer con un conto alla rovescia. Non ho avuto la prontezza di chiedere a cosa si riferisse.
(La mostra è) "un ultimo artificioso tentativo di salvaguardare la poesia dell'esperienza del mistero." da CS.

Penso che la vita è un mistero irrisolto continuo e costante. Giulio non ti preoccupare troppo, possiamo ancora stare tranquilli o, meglio, inquieti.

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Dimenticavo. A scanso di equivoci: Giulio Frigo resta uno tra gli artisti giovani italiani tra i più promettenti. La mia non è una critica nè personale nè dettata da nessun rancore. La sua mostra mi ha lasciato un pò perplessa. Ho espresso alcuni dubbi e mi auguro che servano a rendere più interessante e dialettico il suo lavoro.

coming soon / gianni pettena / luger * Fornello

2012-01-22T11:48:00.001+01:00

Gianni Pettena, About non conscious architecture, 1972 - 73, Courtesy Galleria Enrico Fornello

3 pittori a Lambrate, Milano

2012-01-21T12:09:00.001+01:00

Szabolcs Veres alla Prometeo Gallery
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Enzo Giordano
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Gilda Mautone

1000 battute / Stefano Chiodi / Monica Haller / Nomas Foundation

2012-01-21T10:00:00.000+01:00

Courtesy: the artist and Nomas Foundation, Roma Ph: Christina Clusian

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The Veterans Book Project è una collana di libri che Monica Haller sta costruendo insieme ai reduci delle guerre americane degli ultimi vent’anni, ai quali chiede di ritrovare la memoria perduta o traumaticamente cancellata. Tutto può essere usato: una foto scattata con il cellulare, un’email, l’annotazione di un diario.

Haller non è dunque l’autrice dei libri, ma compone la griglia che gli autori possono riempire, cura lo spazio per i loro esperimenti. L’artista si fa ascoltatrice, redattrice, grafica, testimone. Usa il formato del libro per la sua materialità, per la sua qualità di veicolo di storia e di memoria, per la sua stabilità e mobilità: otto workshop in un anno hanno prodotto trenta libri e migliaia di copie in circolazione.

La reading room installata alla Nomas Foundation invita a immergersi in un universo di memorie intrattabili e di immagini sopravvissute. I libri diventano dispositivi per scoprire i limiti di ciò che può essere veramente immaginato, e dunque visto e sperimentato in termini culturali, del Reale traumatico e non narrabile della guerra.

Sfidando la nostra capacità di richiamare il passato, costringendoci a scrutare l’abisso traumatico che minaccia costantemente il nostro linguaggio, Monica Haller si punta a riattivare il potenziale critico dell’arte come gesto di resistenza, come processo nel quale ogni individuo, esperto o meno, artista o meno, connette se stesso a una comunità e ritrova la capacità di narrare storie e creare immagini.

Stefano Chiodi

Monica Haller | The Veterans Book Project

a cura di Stefano Chiodi

Nomas Fondation, Roma

Fino al 23 febbraio

Monica Haller Photo by Gene Pittman

..e Re Giorgio che direbbe?

2012-01-20T16:40:00.002+01:00

Sono molto curiosa di vedere questa mostra curata da Luca Lo Pinto: D'APRÈS GIORGIO

Spazio espositivo? La casa di Giorgio De Chirico in Piazza Di Spagna, Roma. Opening 27 gennaio.

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David è tornato a casa... / Spazio Morris

2012-01-19T17:17:00.000+01:00

Come quando fuori piove, pietra minerale, trasformatore, pompa elettrica, ferro, plastica ecc.

Tu non mi conosci, Testa di cinghiale tassidermizzata, cristallo di quarzo

Tana! Resina, pietra minerale

Licio

Déjà vu I e II, Specchiere vintage, ottone, spugne, semi, coralli, frutta candita ecc

Particolare di Come Quando Fuori Piove

Guabarbuda, francobolli, cornice di legna
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David Casini mi racconta che ha vissuto due mesi in quello che è diventato in seguito lo Spazio Morris. Invitato a pensare un progetto, non poteva che avere la sensazione di 'un ritorno a casa'. Mi spiega che la mostra è nata raccogliendo e mettendo insieme oggetti, materiali e pensieri .
Ha trasformato delle vecchie specchiere in schermi speculari dove le persone e lo spazio si muovono tra pezzi di cedro, spugne, tubi di ottone, semi, coralli e forme geometriche. Leggeri e fragili teatri dove le persone si aggiustano i capelli, si stupiscono, contemplano un mondo candito e surreale.

Questa la prima stanza. Corridoio. Arrivo in cucina. Tubicini collegano un bollitore che ospita una grande pietra minerale. Ribollire di acque, luce azzurra, piastrelle, alambicchi.. l'atmosfera nel piccolo ambiente è facilmente magica. Titolo dell'opere Come Quando Fuori Piove (♥♦♣♠ ).

Eccomi giunta in quella che è la stanza forse più ostica e visionaria (nel senso che è piena di visioni di vacanze, foto di marine, ragazzi abbronzati, posters ecc): la cameretta intoccabile. Alessandra Pedrotti - la padrona di casa - ha messo il veto di non toccare la pareti. David, ubbidiente, ha pensato di collocare su un tavolino di fortuna una raccolta di francobolli che evocassero il tema del viaggio: uccelli, aerei, treni, mongolfiere ecc.

Cerco l'oggetto forse più bizzarro di tutta la mostra: il cinghiale tassidermizzato pieno di cristalli di quarzo. Lo trovo nell'ultima stanza in fondo. Adagiato sul pavimento, occhi vitrei, morto. Nella stanza persone in contemplazione, stupite e forse inorridite al tempo. Quasi non noto un foro sopra la mia testa, tra il bagno e l'ultima stanza. David mi invita ad osservare. Ficco dentro un dito: Tana! (è il titolo del lavoro). L'artista ha notato questo buco nel muro e, con un lavoro certosino, ci ha collocato dentro delle pietre minerali, sistemando per bene il bordo e la carta da parati intorno per far si che l'effetto fosse assolutamente mimetico.

Ultima stanza, ancora minerali, questa volta fotografati. Virati e trasformati in una sorta di pitture astratte, sembrano tutt'altro che pietre: mi ricordano la pittura informale, ma anche i frottage di Max Ernst e le stampe di vecchie antologie di scienze...

Mostra perfettamente incorniciata. Tanto che contenitore e contenuto sembrano fatti l'uno per l'altro. Un pò come dire che le case (ovviamente) assomigliano a chi le abita.

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David Casini, Irene Guzman, amica e David Casini - Miua e Nicola Gobbetto

Barbara Meneghel, Marta Pierobon e Alessandra Pedrotti, Gianfranco Taino, Giorgio Guidi

Andrea Balestrero, Silvia Hell e Federica Perazzoli, Antonio Grulli

What's up.. here and there

2012-01-18T16:11:00.000+01:00

Marco Cadioli, “Abstract Trip #5 (green)”, digital print on paper, 2011, Courtesy Gloria Maria Gallery, Milano

gasconade | Kaspar Müller: Stand-up!

Chris Engman, Equivalence, 2009, ProjectB

David Casini, Spazio Morris

Gianni Pettena, Gallerie Federico Luger e Galleria Enrico Fornello

Giulio Frigo, Galleria Francesca Minini

Ilya e Emilia Kabakov, Evening # 3, 2005 - Courtesy Galleria Lia Rumma, Milano/Napoli

Szabolcs Veres Porthunt 5 2009, Prometeo Gallery

Josh Tonsfeldt, Spring Itinerary 2009, Fall Itinerary 1926, 2010-2011 - Massimo De Carlo

Catalogo Officine dell'arte - Workshop Stefano Arienti e Italo Zuffi

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Mi sarò dimenticata sicuramente di un sacco di mostre. Pensate questo post come una raccolta di belle immagini. Dei promemoria per i tanti appuntamenti di questa settimana e della prossima.

Oggi

Gianni Pettena alla Galleria Federico Luger. La mostra continua con l'apertura di domani alla galleria Enrico Fornello a Lambrate.

Sempre oggi, allo Spazio Morris la mostra di David Casini, Back Home

Domani

Alla galleria Lia Rumma, Ilya & Emilia Kabakov

Da Francesca Minini la prima personale del 'nuovo acquisto' Giulio Frigo, Chora

Alla Prometeo Gallery, un pittore, Veres Szabolcs

Careof - Viafarini: presentazione del catalogo 'Officine dell'Arte' / workshop di Arienti e Zuffi e visite guidate alle mostre

Nell' Ex Chiesa di San Carpoforo in Piazza Formentini 10 OFFICINA ITALIA 2 > ultima fatica di Renato Barilli (docente che mi ha traumatizzato all'Università!)

Prossima settimana... per chi non va a Roma per il Premio Italia al Maxxi o a Bologna per Arte Fiera

Da Massimo De Carlo la collettiva New York: Directions, Points of Interest

Alla galleria ProjectB, collettiva di fotografia, Ristruttura

Il 26 gennaio, inaugura lo spazio gasconade con Kaspar Müller: Stand-up! e la personale di Marco Cadioli, da Gloria Maria Gallery

Etc.

Cattelan + Gioni = Affari di Famiglia

2012-01-17T14:28:00.000+01:00

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ATP: Family Business?

Massimiliano Gioni: Si' si chiama Family Business, un nuovo spazio sulla ventunesima strada: il fratello maggiore della wrong gallery - visto che e' piu grande e a volte ci si potra' anche entrare.

ATP: Mi confermi che apre a Febbraio?
MG:Sì

ATP: Tre anni?
MG: Per il momento un solo anno, poi si vedra'.

ATP:Tu e Maurizio?
MG: Io e maurizio.

ATP: Perchè Family Business? Inaugurerete con...?
Nei prossimi giorni avremo anche un vero comunicato stampa e ti possiamo dire con chi apriamo. Qui sotto un mini testo...

FAMILY BUSINESS is a new exhibition space initiated by Maurizio Cattelan and Massimiliano Gioni.

Located in Chelsea, on 21st street and 10th avenue, FAMILY BUSINESS is a guest house - a place where friends, enemies, and people we admire and respect are invited to present the works of artists they support and believe in.

FAMILY BUSINESS is a time share: a space made available to people who have something interesting to say - a way to get to know new families and friends. A guest + a host = a ghost.

Into the (BLU) Surface / Brand New Gallery

2012-01-17T13:07:00.001+01:00

Hugh Scott-Duglas, Untitled, 2011

Oscar Murillo, Untitled (Synthetic Trash Painting), 2011

Aaron Bobrow, Brake Dance, 2012, Suspended Reality, 2011

Heather Cook, Tubbing Off (3 of 3)

Lisa Williamson, Diagram (Grey Eyelets, Yellow Ladders, Navy Splotches, Red Dashes), 2011

Erik Lindman, Style Magazine 2011 - Alex Dordoy, Folded, Unfolded, Sunk and Scanned No. 11, 2011

N. Dash, Healer 36, 2011

Azafarin Lotfi, Untitled, 2011 - Untitled, 2011

Per tutte le foto: Courtesy dell’artista e Brand New Gallery, Milano

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Il lavoro di ben 18 artisti è stato presentato pochi giorni fa alla galleria Brand New, nella mostra Into the surface. Tutti più o meno trentenni - la maggior parte from USA, mentre il resto da Amsterdam, Londra, Zurigo - hanno presentato una serie di opere dove hanno messo alla prova la loro capacità di astrarre o meglio, 'distaccare' (etimo) ciò che compone tutto quello che ci circonda: forme e colori. Superfici, dunque, da comporre, scomporre, graffiare, stropicciare, misurare, imbrattare, immergere. Tante le azione che hanno guidato la sensibilità artistica di questi giovani, interessati al 'processo' più che non alla rappresentazione, alla ricerca di tecniche e materiali inusuali più che alla descrizione delle cose. Presentate come ibridi tra pittura e scultura o tra pittura e fotografia, molte opere hanno ridotto al minimo la generosità formale per rivelarci atmosfere minime. Tra i molti lavori è quella di Hugh Scott-Douglas che mi colpisce maggiormente. L'artista recupera l'antico metodo di stampa come il cianotipo, per creare una lieve superfice azzurra fatta di tanti piccolo quadratini. Sembra un cielo, un muro, del vento. Molto poetica. Seguendo questa prima traccia 'azzurra' mi soffermo nella coppia di lavori di N. Dash, una grande tela stropicciata che fa pendant a un piccolo quadro blu di Prussia. Dalla pulizia e controllo di quest'ultimo, al caotico e aleatorio viaggio cromatico della composizione astratta dell'opera più grande: una perfetta e originale tensione. Sempre blu anche nel grande quadro di Heather Cook. L'artista danneggia attraverso l'azione dello sfregamento la tela denim, componendo una serie di segni che sembrano rivelare la struttura della cornice del quadro stesso. Aaron Bobrow recupera delle tele industriali per rivelare la pittoricità intrinseca alla loro usura. O alla 'profondità' di un semplice buco. Crollo/rovina/ristrutturzione: con queste tre parole è presentato il trittico di Oscar Murillo. Filo da pesca, graffette e nastro adesivo sono gli indizi della 'rappresentazione teatrale del nulla' nei quadri di Nazafarin Lotfi.

E' molto interessante perdersi a contemplare quanto il 'poco' stimola riflessioni pittoriche molto affascinanti. Perfezioni geometriche, soffi atmosferici, sporco, graffi, perfezione maniacale, campiture astratte, cancellature, abrasioni, casualità, cadute, strappi, colature, miscugli cromatici, imperfezioni...

Tante le azioni che segnano e informano con acrilici, colori spray, olio, serigrafia, inchiostro, adesivo ecc. le tante superfici fatte di tela, gesso, legno, seta, rete, cemento, lino, ferro, alluminio..

Consiglio vivamente di vedere la mostra come esercizio stimolante per l'immaginazione. Per me, almeno, è stato così :)

Lisa Williamson, Andrew Gbur, Dan Shaw-Town

Alex Dordoy, Heather Cook, Hugh Scott Douglas

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In contemporanea, ha inaugurato anche la personale di Anthony James 'Consciousness AndPortraits Of Sacrifice'. In mostra due installazioni 'Birch Cube', che si configurano come due light box trasparenti; duecubi luminosi che custodiscono intricate foreste vergini di legno di betulla,moltiplicate all'infinito grazie agli specchi. Esposti anche tre “shotgun paintings”: lastre d'acciaio lucidate a specchio che l'artistacrivella dal retro a colpi di fucile.

Anthony James, Birch: White one Meter cube, 2011

Anthony James, Today was a good day #1 2011

1 issue 2 € / 5 issues 5 € / Mousse Flea Market

2012-01-15T18:16:00.001+01:00

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Mi diverte sempre l'atteggiamento imprevedibile di chi usa gli oggetti in modo 'sbagliato'. L'altra sera sono stata al mercatino MFM (Mousse Flea Market) organizzato dal magazine e casa editrice Mousse, in occasione del loro trasloco da via Col di Lana a De Amicis. Che c'era di così divertente? Hanno usato a mò di carta da parati molti dei loro impaginati di cataloghi, libri e riviste.
Nella prima stamza, a coprire le pareti, le pubblicazioni dei Peep-Hole, nel corridoio ho riconosciuto 'All'Aperto - Fondazione Zegna, il catalogo per il padiglione danese (se non sbaglio) e molte copertine di cataloghi.
Non volendo arrivare troppo tardi (rischiando di perdere le 'buone occasioni'), sono arrivata troppo presto (perdendomi l'atmosfera festaiola, tipica degli appartamenti post-trasloco). Mi offrono una birra e percorro il lungo corridoio dell'ex-redazione. Ho la fortuna di poter tranquillamente sfogliare i tantissimi (ma non tutti), libri 'made by Mousse'. Nel vederli tutti assieme mi stupisco della qualità e quantità di libri e cataloghi prodotti.
C'era la stanza 'for free' (portati a casa gratis quello che ti pare), una stanza per i vecchi numeri di Mousse (1 issue 2 euro - 5 issues 5 euro), una per i libri a prezzi scontatissimi, una stanza per bere e una per ballare.
Riesco a comprarmi - per il prezzo veramente stracciato di 25 euro - una decina di libri. Dal fresco di stampa 'Liam Gillick and Lawrence Weiner. A Syntax of Dependency' alla chicca 'Navid Nuur. Bored at the Museum. Bored at the Studio'. Grazie a dei piccoli libricini ho scoperto il progetto di Adrien Missika in Europa, che il 'gioccattolo' preferito di Davis Lamelas è il tempo libero (Drawing Room Confessions – Issue #4) e che se si sfoglia veloce il catalogo 'Ragnar Kjartansson. Me and My Mother'.. si vede la madre dell'artista che gli sputa addosso...

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Cosa mi sono comprata?

How does fashion look at art? Kaleidoscope risponde...

2012-01-14T16:39:00.002+01:00

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Kaleidoscope cambia 'veste'. La nota rivista art & culture milanese, è presentata alla Triennale domenica 15 gennaio h.12. Il restyling è stato affidato allo studio grafico londinese OK-RM. Questo tredicesimo numero da ampio spazio ad una tematica 'pericolosa/scivolosa' come l'influenza esercitata dall'arte sull'industria della moda. Quattro i casi studio approfonditi: Prada, Adam Kimmel, Comme des Garçons e Proenza Schouler.

A presentare il nuovo numero, oltre al direttore Alessio Ascari, Francesco Vezzoli e una grande esperta di moda, Maria Luisa Frisa.

Ho fatto un paio di domande velocissime ad Alessio Ascari.

ATP: Perchè avete scelto lo studio grafico OK-RM?
Alessio Ascari: La scelta è caduta su OK-RM perché sono uno degli studi grafici più interessanti sulla scena internazionale. Stanno a Londra, lavorano nell'ambito dell'arte (Barbican, Serpentine...) ma anche con grandi aziende (Nike, Swatch...). Il loro approccio è intelligente, elegante, funzionale, di ricerca e mai modaiolo: fanno cose che dureranno nel tempo.

ATP: Perchè un tema così scivoloso come arte-moda?

AA: Crediamo nell'interdisciplinarietà, nello scambio tra saperi e tra mestieri. L'arte non può e non deve rimanere chiusa in un recinto, deve comunicare con l'esterno, conquistare altri campi, e farsi conquistare.
Per questo "Main-Theme" (la nostra sezione tematica, nella quale ci occupiamo ogni volta di questioni urgenti all'interno del panorama culturale contemporaneo), abbiamo indagato l'influenza esercitata dall'arte sull'industria della moda, mostrando attraverso quattro casi studio – Prada, Adam Kimmel, Comme des Garçons e Proenza Schouler – come alcuni tra i più brillanti sperimentatori del mondo della moda abbiano stabilito con l'arte un rapporto di intensa collaborazione, divenendo avidi collezionisti e produttori visionari.

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Thanks!

2012-01-14T15:51:00.000+01:00

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Grazie a Gea Politi / Conduis, Monica De Cardenas, Riccardo Crespi, Francesca Pennone / Antonella Berruti / Pinksummer, Pasquale Leccese / Le Case d'Arte, Nicolò Cardi / Cardi Black Box, Marco Altavilla / Paola Guadagnino / T293, Fabio Ianniello / unosunove, Raffaella Cortese, Charly Lioce/ Room Gallery, Francesca Minini, Fabrizio Affronti / Brand New, Paolo Zani / Zero..., Massimo Ligreggi / Collicaligreggi, Paola Potena / Lia Rumma, Norberto Ruggieri / S.a.l.e.s, Francesca Repetto / kaufmann repetto, Chiara Rusconi / A Palazzo, Francesco Pantaleone, Claudio Guenzani, Federica Schiavo, Galleria Continua, Suzy Shammah, Paola Capata / Monitor, Massimo Minini.

Al prossimo The Best...

Buon 2012 a tutti!

The Best 2011 by... Conduits, Milano

2012-01-14T10:00:00.000+01:00

Dan Colen, Psychotic Reaction (detail), 2011

Blinky Palermo, Untitled (Stoffbild), 1969, left, with Richard Tuttle, Green Flag, 1967-71,

and Anna Betbeze, Oasis, 2011

Paul McCarthy, Untitled (Carpet), 2010-11

David Hammons, Untitled Kool-Aid 2007

Photo Courtesy of Salon94 and L&D Arts

Anne Betbeze Marble 2011 -

Photo Courtesy of the artist and Kate Werble Gallery

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Gea Politi / Conduits, Milano

Unpainted Paintings curated by Alison Gingeras
Luxembourg & Dayan, New York

The Best 2011 by... De Cardenas, Milano

2012-01-13T18:00:00.000+01:00

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Galleria Monica De Cardenas, Milano

Markus Raetz - Croisement

MAMCO Museum of Contemporary and Modern Art, Geneva

The Best 2011 by... Riccardo Crespi, Milano

2012-01-12T16:30:00.000+01:00

Daniela Comani, La Straniera, 2011

Efrat Kedem

Valerio Caruubba, It is odd to keep on thinking that painting is meant to be seen Philippe Sollers

Valerio Rocco Orlando, Dancing Books, 2011

Benny Nemerofsky Ramsay

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Galleraia Riccardo Crespi, Milano

Voglio soltanto essere amato, a cura di Gabi Scardi, Ruth Catz e Map Project

Museo Maga, Gallarate

The Best 2011 by... Pinksummer, Genova

2012-01-12T09:00:00.000+01:00

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Antonella Berruti / Pinksummer, Genova

Alighiero Boetti - Estrategia de Juego

04.10.11 - 05.02.12

Museo Reina Sofìa, Madrid

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Francesca Pennone / Pinksummer, Genova

Pipilotti Rist - Parasimpatico

09.11.11 - 18.12.11

Fondazione Trussardi, Milano

The Best 2011 by... Le Case d'Arte, Milano

2012-01-10T17:00:00.000+01:00

Pino Pascali, 6th Biennale Romana, Palazzo delle Esposizioni, Roma, 1968 Courtesy the Estorick Collection of Modern Italian Art - Photo Claudio Abate

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Pasquale Leccese / Le Case d'Arte, Milano

File Note #57 ‘... a multitude of soap bubbles which explode from time to time...’

Pino Pascali’s final works 1967–1968

Camden Arts Centre, London

March –– May 2011

The Best 2011 by... Cardi Black Box, Milano

2012-01-10T09:00:00.000+01:00

Woman Sitting, 1943 – 44, Private collection

La Guardia in a Paper Hat, 1972 - Private collection

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Nicolò Cardi / Cardi Black Box, Milano

de Kooning - a Retrospective

18.09.11 - 09.01.12

Moma, NY

The Best 2011 by... T293, Napoli/Roma

2012-01-09T09:00:00.000+01:00

Lilies [Lilien] 2000 National Gallery of Canada, Ottawa © Gerhard Richter

Rainbow, © Gerhard Richter

Betty 1977 (CR 425-4) Museum Ludwig/private collection © Gerhard Richter

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Marco Altavilla / T293, Napoli - Roma

Gerhard Richter: Panorama

Tate Modern, Londra

06.10.11 - 08.01.12

The Best 2011 by... Unosunove, Roma

2012-01-08T10:00:00.000+01:00

Francisco Tropa, Scenario, 2011, Padiglione Portoghese - 54th Biennale di Venezia - Photos: Pedro Tropa

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Fabio Ianniello / Unosunove arte contemporanea, Roma

Francisco Tropa, Scenario

Portuguese Pavilion

54th International Art Exhibition

Biennale di Venezia 2011

The Best 2011 by... Raffaella Cortese, Milano

2012-01-07T10:48:00.001+01:00

Anna Halprin Paper Dance, Parades and changes, 1965, Film 1995

Constantin Brancusi Costume ‘la sorcière’ de Lizica Codreano pour Gymnopédies d’Erik Satie, 1922

Collection François Fontenoy, Paris

Stan Van DerBeek et Nam June Paik, Variations V, 1965
Chorégraphie : Merce Cunningham - Musique : John Cage

Lavinia Schulz et Walter Holdt, Toboggan Frau, 1923, Costume présenté sur un mannequin,

Hambourg Museum für Kunst und Gewerbe (MKG)

Anonyme, Das Triadische Ballet, costumes du ballet triadique dans la revue - « wieder metropol » au metropol theater, berlin, 1926 - bühnen archiv oskar schlemmer. collection particulière

Pina Bausch - Le Sacre du printemps, opéra national de paris,

palais garnier, décembre 2010 - photographie de sébastien mathé

Kurt Jooss, Der grüne Tisch [La table verte], théâtre des champs-élysées, paris, 1932

Felix Gonzalez-Torres, “Untitled” (Go-Go Dancing Platform), 1991

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Galleria Raffaella Cortese, Milano

Danser sa vie

23.11.11 - 2.04.12

Centre Pompidou, Parigi

The Best 2011 by... Room Gallery, Milano

2012-01-05T04:00:00.000+01:00

Piero Manzoni, In his home, Milan, 1961 - Courtesy Fondazione Manzoni

Piero Manzoni, 'Azimut' - Gagosian Gallery, Photo by Dave Morgan

Piero Manzoni, Achrome_1962 c.

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Charly Lioce / Room Gallery, Milano

MANZONI: Azimut

Gagosian Gallery, London

17.11.11 - 06.01.12

The Best 2011 by... Galleria Francesca Minini, Milano

2012-01-04T18:00:00.000+01:00

Jonathas De Andrade, 'Ressaca Tropical' 2009 - Photo installation with 101 photographs and 140 diary pages. Courtesy Galerie Vermelho, Sao Paulo , Brazil

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Francesca Minini / Galleria Francesca Minini, Milano

Biennale di Istanbul 2011 in particolare il lavoro di Jonathas De Andrade